Io e l’Arte
L’arte non è per me una scelta, ma una necessità di indagine, un modo per dare corpo a ciò che l’occhio percepisce solo come intuizione. Mi interrogo costantemente sul confine che separa il costruito dall’organico, il visibile dal cellulare. Credo che l’opera digitale non sia una simulazione della realtà, ma una sua estensione necessaria, un territorio dove la precisione del calcolo incontra l’imprevedibilità della vita. Nelle serie Anthropica, Biomorpha e Microbica cerco di catturare quel momento esatto in cui la materia si organizza in forma, dove il caos diventa struttura. Non mi interessa la perfezione estetica fine a se stessa, ma la vibrazione di una superficie che sembra respirare, che rivela lacune, nidi, ramificazioni e ocelli. L’arte è il ponte tra la nostra percezione limitata e l’infinitamente complesso. È un atto di resistenza contro il vuoto, un tentativo di mappare l’invisibile e di rendere eterno l’effimero. Ogni immagine è un frammento di questo dialogo silenzioso con la materia digitale, una ricerca che non cerca risposte definitive, ma nuove domande sulla natura stessa dell’esistere.
Art, for me, is not a choice but a necessity of investigation, a way to give body to what the eye perceives only as intuition. I constantly question the boundary that separates the constructed from the organic, the visible from the cellular. I believe that digital work is not a simulation of reality, but a necessary extension of it, a territory where the precision of calculation meets the unpredictability of life. In the Anthropic, Biomorphic, and Microbic series, I seek to capture that exact moment when matter organizes itself into form, where chaos becomes structure. I am not interested in aesthetic perfection for its own sake, but in the vibration of a surface that seems to breathe, revealing gaps, nests, branches, and ocelli. Art is the bridge between our limited perception and the infinitely complex. It is an act of resistance against the void, an attempt to map the invisible and to make the ephemeral eternal. Each image is a fragment of this silent dialogue with digital matter, a search that does not seek definitive answers, but new questions about the very nature of existence
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La Metafisica del Blu
Note dell’autore sulla serie:
“Cianografie da un Altrove Domestico”
L’Enigma della Visione
“Ma che cos’è?” Questa domanda spesso accoglie la mia serie di opere sulle tonalità del ciano e del blu denominata “Cianografie da un Altrove Domestico”. Ciò per me non costituisce un segnale di incomprensione, piuttosto l’inizio di un dialogo, di una condivisione. È la conferma che l’osservatore avverte una presenza “altra”, qualcosa che non si esaurisce nel perimetro della cornice. Questo significa che lo spettatore ha percepito qualcosa che è oltre l’apparenza e sente l’esigenza di cercare un oggetto reale per verificare se quell’oltre è qualcosa di ancor più reale di quello che vede. L’osservatore inizia a percepire una sensazione, avviene così la verifica del mio lavoro: la nascita di uno scambio di pensiero che supera il dato puramente visivo.
Colore come Dimensione Intellettuale tra Energia e Consapevolezza
Nella mia ricerca, il blu non agisce come semplice elemento decorativo, ma come una frequenza cerebrale profonda. Non riesco che a percepire questo colore in analogia con la materia dei sogni, un’esperienza che non è né puramente cromatica né in bianco e nero, ma che abita una zona liminale dell’intelletto. Questa non è solo una suggestione poetica, ma trova un riscontro nella natura stessa della luce. Il blu e il ciano si collocano nella parte dello spettro visibile a più alta energia. Scientificamente, queste frequenze hanno un impatto diretto sulla nostra fisiologia, interagiscono con la retina e regolano numerose funzioni vitali, nonchè la nostra attività onirica e mentale. È una vibrazione che tocca le mie corde più intime, muovendosi verso quello che in altre culture viene definito il livello “Chakra” della consapevolezza, un punto di incontro tra la cultura ancestrale e l’inconscio collettivo.
Immagine come Traccia di Esperienza
Queste opere non sono documentazione, ma evocazioni di esperienze vissute o percepite. Vorrei suggerire a chi guarda di rintracciare in quei toni di ciano una memoria lontana o un’intuizione futura. È un invito a spogliarsi della logica descrittiva per abbracciare una visione interiore, dove il blu diventa il velo trasparente attraverso cui percepire l’essenza delle cose. La ricerca affonda le radici in una mia attitudine personale, fin da bambino, sono sempre stato attratto dall’insolito, da ciò che stimolava la fantasia oltre il dato visibile. Ho cercato di conservare deliberatamente quel modo, forse ingenuo, ma profondamente vivo, di vedere le cose immerse in un’aura fantastica. Forse è un atto di resistenza contro la rigidità del mondo adulto, che spesso ci spinge verso una “sicurezza” razionale tanto effimera quanto limitante. Ho cercato un varco per uscire da quella gabbia di certezze precostituite inseguendo una visione aperta, dove il blu non è una possibilità di fuga. Guardo al mondo non per come è stato classificato, ma per come vibra dentro di me, salvaguardando la capacità di stupirmi.
The Metaphysics of Blue
Author’s notes on the series:
“Cyanovisions from a Domestic Elsewhere”
The Enigma of Vision
“But what is it?” This is the question that frequently greets my series of works in shades of cyan and blue, titled “Cyanotypes from a Domestic Elsewhere”. For me, this does not represent a lack of understanding, but rather the beginning of a dialogue a shared experience. It confirms that the observer senses an “other” presence, something that is not exhausted within the perimeter of the frame. It signifies that the viewer has perceived something beyond appearance and feels the need to seek a real object to verify if that “beyond” is even more real than what they see. As the observer begins to perceive a sensation, the validation of my work occurs: the birth of an exchange of thought that transcends purely visual data.
Color as an Intellectual Dimension between Energy and Awareness
In my research, blue does not act as a mere decorative element, but as a deep cerebral frequency. I cannot help but perceive this color in analogy with the fabric of dreams an experience that is neither purely chromatic nor black and white, but inhabits a liminal zone of the intellect. This is not just a poetic suggestion; it finds resonance in the very nature of light. Blue and cyan are positioned in the highest energy part of the visible spectrum. Scientifically, these frequencies have a direct impact on our physiology, interacting with the retina and regulating numerous vital functions, as well as our dream and mental activity. It is a vibration that touches my most intimate chords, moving toward what other cultures define as the “Chakra” level of awareness a meeting point between ancestral culture and the collective unconscious.
Image as a Trace of Experience
These works are not documentation, but evocations of experiences lived or perceived. I wish to suggest to those who look that they might trace within those tones of cyan a distant memory or a future intuition. It is an invitation to shed descriptive logic in favor of an inner vision, where blue becomes the transparent veil through which to perceive the essence of things. This research is rooted in a personal inclination of mine; since childhood, I have always been attracted to the unusual, to that which stimulated the imagination beyond the visible. I have deliberately sought to preserve that way of seeing things perhaps naive, but profoundly alive immersed in a fantastic aura. Perhaps it is an act of resistance against the rigidity of the adult world, which often pushes us toward a rational “security” that is as ephemeral as it is limiting. I have searched for a passage to exit that cage of pre-established certainties, pursuing an open vision where blue is not a possibility of escape. I look at the world not as it has been classified, but as it vibrates within me, safeguarding the capacity for wonder.
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Al confine tra realtà e fantasia
Note dell’autore sulla galleria:
“Darkroom Process”
Una ricerca costante dall’analogico al digitale
Le opere presentate in questa galleria risalgono agli anni ’80 dello scorso secolo e nascono dal lavoro alchemico in camera oscura. Non si tratta però di una celebrazione della nostalgia analogica, ma della testimonianza di un’indagine interiore tra il fantastico e l’inconscio che ancora oggi anima la mia ricerca creativa.
Da sempre, ho sentito la necessità di scardinare la realtà visibile, spinto dalla curiosità di immaginare mondi differenti e accettabili nella loro diversità. Se quando ho realizzato quelle immagini questa urgenza espressiva richiedeva complessi e faticosi passaggi manuali, oggi trova nell’immagine digitale un mezzo potenzialmente molto più malleabile per concretizzare le medesime fantasie. Tecniche diverse, ma lo stesso identico spirito: muoversi oltre il reale per esplorare l’infinito ventaglio delle possibilità.
Visioni di Mondi Alternativi
Un’indagine su paesaggi immersi in un’atmosfera aliena. Se a un primo sguardo queste immagini possono trasmettere un senso di alterazione innaturale, col tempo rivelano una loro intima armonia, spingendo la mente ad accettare che esistono infinite possibilità oltre ciò che consideriamo “reale”.
La tecnica: Gli scatti originali sono stati realizzati su diapositiva a infrarosso a colori, sfruttando il tipico effetto Wood che rende rossa la vegetazione. In fase di stampa artigianale su carta colore ho poi invertito i passaggi cromatici per far tornare l’erba verde: un punto di ancoraggio con la visione reale che rende ancora più stimolante l’inversione delle luminosità nata dal passaggio da positivo a negativo.
Armonia in infra-rosa
Il fascino particolare della ripresa su pellicola infrared in bianco e nero per qualche recondito motivo suggeriva l’esigenza di essere reinterpretato attraverso una delicata variazione cromatica. L’immagine si tinge di un tono rosa morbido, sospeso in un altro tempo ed in uno spazio avvolgente, che trasforma l’immagine in una visione quasi onirica.
La tecnica: La fotografia è stata stampata in camera oscura su carta colore, applicando una meticolosa e opportuna filtrazione manuale per deviare il bianco e nero verso la tonalità calda e morbida del rosa.
3 meno 10 del mattino
Una serie nata da una forte urgenza catartica in un periodo di profondo stress lavorativo. Sul piano dell’inconscio, queste composizioni cupe e drammatiche sono state lo strumento fondamentale per esplorare, elaborare e infine superare quelle angosce che mi attanagliavano, permettendomi di uscirne liberato attraverso l’atto creativo.
La tecnica: Un lavoro di pura manipolazione analogica e stratificazione in cui ogni tipo di intervento era concesso al di la di qualsivoglia limite canonico. Le atmosfere inquietanti da incubo sono state ottenute attraverso interventi manuali, ritagliando e unendo elementi da altre immagini recuperate dal mio archivio personale spesso tra quelle nelle quali c’era qualcosa di interessante ma ancora con un senso di incompleto.
On the Border Between Reality and Fantasy
Author’s notes on the gallery:
“Darkroom Process”
A constant journey from analog to digital
The works presented in this gallery date back to the 1980s and are the result of alchemical darkroom experimentation. However, this is not a celebration of analog nostalgia, but rather the testament to an inner exploration between the fantastic and the unconscious that still drives my creative research today.
I have always felt the need to disrupt visible reality, driven by a curiosity to imagine different worlds and to accept them in their diversity. While this expressive urgency required complex and exhausting manual steps when I created these images, today it finds in the digital image a potentially much more malleable medium to give shape to those same fantasies. Different techniques, yet the exact same spirit: moving beyond reality to explore the infinite range of possibilities.
Visions of Alternative Worlds
An exploration of landscapes immersed in an alien atmosphere. While at first glance these images may convey a sense of unnatural alteration, over time they reveal an intimate harmony of their own, prompting the mind to accept that infinite possibilities exist beyond what we consider “real”.
The technique: The original shots were taken on color infrared slide film, taking advantage of the typical Wood effect that turns vegetation red. During the manual printing process on color paper, I inverted the chromatic steps to turn the grass back to green: an anchor point to the real vision that makes the inversion of luminosity, born from the transition from positive to negative, even more stimulating.
Harmony in Infra-Pink
The unique charm of black-and-white infrared film photography, for some hidden reason, suggested the need to be reinterpreted through a delicate chromatic variation. The image takes on a soft pink tone, suspended in another time and within an enveloping space, transforming the image into an almost oneiric vision.
The technique: The photograph was printed in the darkroom on color paper, applying a meticulous and appropriate manual filtration to shift the black and white toward the warm and soft hue of pink.
Ten to Three in the Morning
A series born from a powerful cathartic urgency during a period of deep work-related stress. On the level of the unconscious, these dark and dramatic compositions were the fundamental tool to explore, process, and finally overcome those anxieties that held me in their grip, allowing me to emerge liberated through the creative act.
The technique: A work of pure analog manipulation and layering, where any kind of intervention was allowed, beyond any conventional limit. The unsettling, nightmare-like atmospheres were achieved through manual interventions, cutting and combining elements from other images retrieved from my personal archive—often from those that held something interesting but still felt incomplete.
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L’Universo ci circonda
Note dell’autore sulla galleria:
“Soglie”
Spazio come Soglia di Probabilità
Me ne stavo un pomeriggio a “meriggiare”, seduto su una panchina a Venezia presso la fermata del vaporetto a Sant’Alvise, scrutando oltre un muretto che nascondeva alla mia vista una parte di un panorama proiettato verso l’infinito. Fu lì che, preso da quell’atmosfera e dalle mie considerazioni, decisi di cercare di fermare in uno scatto fotografico quelle sensazioni, ponendomi il problema di come superare l’ovvio andando oltre ciò che si vedeva.
Da lì è nata l’idea di cogliere non tanto un soggetto come elemento portante dell’immagine, quanto quello che ci sta attorno e che contribuisce a creare l’atmosfera.
Il mio fotografare nasce proprio dal bisogno di tradurre emozioni in strutture visive. Non mi interessa documentare il mondo, ma interrogarlo, sperimentando nuove sintassi e superando le regole della composizione tradizionale. Mi muovo in un laboratorio in continua evoluzione: non cerco uno stile definitivo, ma l’emozione di un’indagine costantemente indirizzata verso l’ignoto.
In questa serie mi sono proposto di analizzare cosa accade quando il centro dell’immagine viene lasciato senza un vero soggetto in senso tradizionale. Il vuoto diventa spazio emotivo, campo di possibilità. Gli elementi ai margini suggeriscono più di quanto mostrino; l’immagine smette di descrivere e inizia a farsi esperienza. Il protagonista è lo spazio. Gli oggetti diventano tracce. Al centro rimane una sospensione che invita l’osservatore a completare ciò che la composizione ha scelto di non dichiarare.
The universe surrounds us
Author’s notes on the gallery:
“Thresholds”
Space as a Threshold of Probability
I was spending an afternoon “meriggiare”, loitering in the midday shade, on a bench in Venice near the S.Alvise vaporetto stop, peering over a low wall that hid part of a view projected toward infinity. It was there, caught up in that atmosphere and my own reflections, that I decided to try and capture those sensations in a photograph, facing the challenge of how to overcome the obvious by going beyond what was visible.
That was how the idea was born: to capture not so much a subject as the core element of the image, but rather what surrounds it and contributes to creating the atmosphere.
My photography stems precisely from the need to translate emotions into visual structures. I am not interested in documenting the world, but in questioning it, experimenting with new syntaxes and moving beyond the rules of traditional composition. I operate within a constantly evolving laboratory: I do not seek a definitive style, but rather the thrill of an inquiry perpetually directed toward the unknown.
In this series, I aimed to analyze what happens when the center of the image is left without a real subject in the traditional sense. The void becomes an emotional space, a field of possibilities. The elements at the margins suggest more than they show; the image ceases to describe and begins to become an experience. Space is the protagonist. Objects become traces. At the center remains a suspension that invites the observer to complete what the composition has chosen not to declare.
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Riflessioni dal Mondo Frattale
Note dell’autore sulle gallerie:
anthropica | biomorpha | microbica
L’infinito nell’indefinito
La geometria frattale possiede un fascino magnetico: è una visione che non si adegua a una dimensione definita, ma tende verso di essa, lasciando intuire l’esistenza di uno spazio sconfinato in cui nulla è rigidamente stabilito. Questa assenza di confini precisi si scontra radicalmente con la tendenza tipica del sapere umano, da sempre strutturato sulla catalogazione e sulla divisione della realtà in gruppi ben definiti. Il frattale, al contrario, scardina queste certezze: apre la mente a soluzioni inedite, configurandosi come un luogo in cui le regole che consideriamo assolute sembrano non esistere più.
La rifrazione di Spazio e Tempo: il salto nell’incognito
Questa ipotesi geometrica spinge inevitabilmente a rileggere i cardini stessi della nostra percezione: lo spazio e il tempo. Abbiamo la pretesa di misurare il tempo e lo definiamo “continuo”, convinti che ogni frazione sia infinitamente divisibile in parti più piccole. Eppure, l’analogia con la struttura frattale suggerisce un dubbio affascinante: siamo davvero sicuri che sia così? O è possibile che, a un certo punto, il tempo non sia più divisibile e proceda per “salti” da una frazione all’altra, lasciando uno spazio di totale incognito tra i due istanti? Analoghe considerazioni possono essere estese allo spazio: una trama non più lineare, ma interrotta da vuoti indeterminabili.
Il filo invisibile: da Eraclito a Heisenberg
In questa sospensione di forme si rinnova l’intuizione che già Eraclito aveva espresso secoli prima di Cristo: l’idea di un universo in continuo divenire, frutto di un’evoluzione apparentemente incontrollata di materia e forme di energia, dove nulla è determinato o classificabile con certezza assoluta. È un concetto filosofico che trova una sponda scientifica perfetta nel Principio di Indeterminazione di Heisenberg. Qui, i risultati delle immagini prodotte con elaborazioni tridimensionali (in realtà sempre in sospeso tra la seconda e la terza dimensione) non rappresentano realtà fisse, ma probabilità. Sono ipotesi visive: frammenti di mondi possibili, forse probabili; architetture che forse sono esistite, forse esisteranno, o forse appartengono a un “altrove”.
Oltre la superficie: la spinta della curiosità
L’estetica delle immagini che ho realizzato non è mai fine a se stessa, per quanto possa apparire rassicurante nella sua bellezza simil-naturale, apre a diverse e più ampie considerazioni. L’indagine nasce da una profonda curiosità viscerale, dall’urgenza intima di capire e di immaginare cosa esista oltre l’aspetto estetico, suggerendo un’alternativa in cui si fondono, in un amalgama unico, materia ed energia, esoterismo e sacro, il tempo e la logica naturale del tutto e del niente. In questo spazio emotivo, dove il passato e il futuro si fondono non delimitati dal presente, cerco risposte, ma la ricerca mi restituisce sempre e solo nuove domande. Le forme visibili in queste gallerie non sono quindi punti di arrivo, ma porte aperte: un invito per chi guarda a spingersi oltre il limite del già visto e del sicuro e ad accettare le ipotesi dell’indeterminato, restando affascinati da queste riflessioni ancor più che dall’estetica stessa delle immagini.
Reflections from the Fractal World
Author’s notes on the galleries:
anthropica | biomorpha | microbica
The Infinite within the Indefinite
Fractal geometry possesses a magnetic charm: it is a vision that does not conform to a defined dimension, but rather tends toward it, hinting at the existence of a boundless space where nothing is rigidly established. This absence of precise boundaries clashes radically with the typical tendency of human knowledge, which has always been structured around cataloging and dividing reality into well-defined categories. The fractal, on the contrary, shatters these certainties: it opens the mind to novel solutions, configuring itself as a realm where the rules we consider absolute seem to exist no more.
The Refraction of Space and Time: The Leap into the Unknown
This geometric hypothesis inevitably prompts us to re-examine the very pillars of our perception: space and time. We claim to measure time and define it as “continuous”, convinced that every fraction is infinitely divisible into smaller parts. Yet, the analogy with the fractal structure suggests a fascinating doubt: are we truly sure it is so? Or is it possible that, at a certain point, time is no longer divisible and proceeds by “leaps” from one fraction to another, leaving a space of total unknown between the two instants? Analogous considerations can be extended to space: a texture no longer linear, but interrupted by indeterminable voids.
The Invisible Thread: From Heraclitus to Heisenberg
In this suspension of forms, the intuition that Heraclitus expressed centuries before Christ is renewed: the idea of a universe in constant becoming, the result of an apparently uncontrolled evolution of matter and forms of energy, where nothing is determined or classifiable with absolute certainty. It is a philosophical concept that finds a perfect scientific counterpart in Heisenberg’s Uncertainty Principle. Here, the results of the images produced through three-dimensional renderings (actually always suspended between the second and third dimensions) do not represent fixed realities, but probabilities. They are visual hypotheses: fragments of possible, perhaps probable worlds; architectures that may have existed, may exist, or perhaps belong to an “elsewhere”.
Beyond the Surface: The Drive of Curiosity Beyond the Surface: The Synthesis of the All
The aesthetics of the images I have created are never an end in themselves; however reassuring they may appear in their quasi-natural beauty, they open the door to diverse and broader considerations. The inquiry stems from a deep, visceral curiosity, from an intimate urgency to understand and to imagine what exists beyond the aesthetic aspect, suggesting an alternative where matter and energy, esotericism and the sacred, time and the natural logic of everything and nothing merge into a unique mix. In this emotional space, where past and future merge, unbounded by the present, I seek answers, but the quest always yields only new questions. The forms visible in these galleries are therefore not arrival points, but open doors: an invitation for the viewer to push beyond the boundaries of the already seen and the secure, and to accept the hypotheses of the indeterminate, becoming fascinated by these reflections even more than by the aesthetics of the images themselves.
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Shattering the idol
Author’s notes on the gallery:
“Ludibrium Artis”
The art preserved in great museums is, without a doubt, the richest and most significant manifestation of great culture. Often, however, these masterpieces end up turning into “indisputable monuments”: monolithic works that we look at with reverence, but which precisely for this reason risk losing their original communicative power.
The images in this work of mine are born from the desire to play with the works or styles of the great masters to restore a more human dimension to their creations, one made of emotional exchange and not just institutional celebration. Mine is not a desecrating intent, but an attempt to create a personal dialogue with the ideas hidden behind the works. The goal is to make these universal masterpieces observable with greater lightness, making them feel closer, more accessible, and ready to speak with greater simplicity to each of us. The ultimate objective is to try to soften that sense of academic heaviness that often distances people from understanding both classical and contemporary art.
As an example, I wanted to propose this consideration: Behind the most famous smile in the world lies a deep connection between Life and Death. Traditionally identified as Lisa Gherardini, a fascinating theory supported by art historian Andrew Graham-Dixon suggests that the person portrayed has another identity: that of Pacifica Brandani. Mistress of Giuliano de’ Medici, Pacifica tragically died in childbirth in 1511. The painting was allegedly commissioned to Leonardo precisely to grant the memory of a mother to the infant son left orphaned. What remains of the Mona Lisa if we shatter the museum idol? Its most dramatic human essence remains.
This digital work intends to graphically place the emphasis on that original dramatic core. It strips the icon of its institutional and academic garb to lay bare the dialogue between Pathos and Thanatos: the suffering of human passion and the inevitability of death. What remains is not an untouchable monument, but the pulsing skeleton of a story of love, motherhood, and loss. This is my way of analyzing what lies behind a work of art: by imagining, playing, and projecting it into the real moments of lived lives, so that the work vibrates with life once again, finally breaking free from the institutional wall.
Smantellare l’Idolo
Note dell’autore sulla galleria:
“Ludibrium Artis”
L’arte custodita nei grandi musei è, senza dubbio, la manifestazione più ricca e significativa della grande cultura. Spesso, però, questi capolavori finiscono per trasformarsi in “monumenti indiscutibili”: opere macigno che guardiamo con reverenza, ma che proprio per questo rischiano di perdere la loro forza comunicativa originaria.
Le immagini di questo mio lavoro nascono dal desiderio di giocare con le opere o gli stili dei grandi maestri per restituire alle loro creazioni una dimensione più umana, fatta di scambio emotivo e non di sola celebrazione istituzionale. Il mio non è un intento dissacrante, ma il tentativo di creare un dialogo personale con le idee che si nascondono dietro alle opere. Il fine è quello di rendere questi capolavori universali osservabili con più leggerezza per farli sentire più vicini, accessibili e pronti a parlare con più semplicità ad ognuno di noi. L’obiettivo, in conclusione, è cercare di attenuare quel senso di pesantezza accademica che spesso allontana le persone dalla comprensione dell’arte sia classica che contemporanea.
A titolo di esempio volevo proporre questa considerazione: Dietro il sorriso più famoso del mondo si nasconde un legame profondo tra la Vita e la Morte. Tradizionalmente identificata come Lisa Gherardini, una tesi affascinante sostenuta dallo storico dell’arte Andrew Graham-Dixon suggerisce che la persona ritratta abbia un’altra identità: quella di Pacifica Brandani. Amante di Giuliano de’ Medici, Pacifica morì tragicamente di parto nel 1511. La tavola sarebbe stata commissionata a Leonardo proprio per donare il ricordo di una madre al figlioletto rimasto orfano. Cosa resta della Monna Lisa se rompiamo l’idolo museale? Resta la sua essenza umana più drammatica.
Questo lavoro digitale vuole, graficamente, porre l’accento su quel nucleo drammatico originario. Spoglia l’icona del suo abito istituzionale e accademico per mettere a nudo il dialogo tra Pathos e Thanatos: la sofferenza della passione umana e l’inevitabilità della morte. Ciò che resta non è un monumento intoccabile, ma lo scheletro pulsante di una storia d’amore, di maternità e di perdita. Questo è il mio modo di analizzare cosa sta dietro un’opera d’arte: immaginando, scherzando e proiettandola nei momenti reali di vite vissute, affinché l’opera torni a vibrare viva, staccandosi finalmente dalla parete dell’istituzione.
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